Archive for Febrero, 2010

Charlotte Gainsburg en un ábum compuesto por Beck

Domingo, Febrero 28th, 2010

La consagración definitiva llegó en el 2007 con una película de la que no es protagonista: I’m Not There, la biopic sobre Dylan. Tal vez sea un descuido, tal vez sea otra de las artimañas del filme de Todd Haynes. Lo cierto es que, además de Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger, el niño Marcus Carl Franklin y Cate Blanchett, Charlotte Gainsbourg también aporta su grano de Dylan. La escena de sexo con Ledger es no sólo de lo mejor de toda la película, sino también una de las mejores escenas de amor de los últimos años.1

Hoy Charlotte canta y sigue cantando y, además de estar por presentar otras dos películas, Persecution y The Tree, acaba de sacar un disco verdaderamente original. IRM es tan, pero tan bueno que da la sensación de que pasaron siete vidas entre su aparición y 5:55 (2006). Canciones que hablan del final con seducción, alegría, color, mezclando folk, blues y hasta algo de punk de una manera tan experimental y luminosa que dan ganas de pasarse toda la vida hablando de la muerte. Claro que casi todos los temas fueron creados por Beck, quien además produce el disco. Pero Charlotte no sólo deslumbra con la interpretación de sus temas sino que, otra vez, dejó algo más que una semilla para hacer crecer la planta: las ideas y el ritmo, pero también los sonidos de las resonancias magnéticas (cuyas siglas dan nombre al disco) que le hicieron en 2007, a partir de un accidente en esquí acuático que le produjo un derrame cerebral. Y, a propósito de ese encanto que pasea de manera sutil pero inolvidable por canciones y películas de otros, tal vez nunca haya hecho un equilibrio tan delicado y devastador como en la película sobre Dylan: antes de esa magnífica escena de sexo, Charlotte le pregunta al Dylan de Ledger qué le gusta de ella y él responde sin dudar: “tu pelo, tu boca, tus ojos, tus labios”, y nosotros lo relevaríamos a Ledger de su propia muerte para seguir hasta el infinito esa enumeración. Pero algo nos detiene y nos deja sin hablar, porque Charlotte también agrega un cover al gran soundtrack del film con una desgarradora y primaveral versión de “Just Like a Woman”, una canción sobre Edie Sedgwick que termina hablando de ella misma. Su voz de susurro delata que le está cantando al espejo: y Charlotte hace el amor exactamente como una mujer, parece a punto de quebrarse como una nena pero –y, por eso, ergo, por lo tanto, that’s why– siempre logra mantenerse en pie.

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Dos momentos de Martha Argerich para un Chopin imperdible

Domingo, Febrero 28th, 2010

La obra de un artista a través del tiempo puede verse, en este caso escucharse, como una auténtica autobiografía.

Y ello, en algunos casos adquiere una contundencia formidable, tal el cado de Martha Argerich. Su carrera ha sido un recurrente retorno a su acotado repertorio. Con lo cual nos exhibe que el paso del tiempo, su propia maduración, se inscribe en cada nueva lectura de una pieza o en los distintos enfoques de un mismo compositor.

Podemos constatarlo, al editarse en simultáneo Argerich Plays Chopin y Salzburg.

“El primero de ellos, coincidiendo con bicentenario del nacimiento de Chopin, incluye grabaciones hasta este álbum inéditas realizadas en 1959 y en 1967 y halladas en los archivos del RIAS Studio, de Berlín; de la WDR (Westdeutscher Rundfunk), de Colonia, y, en el caso de la Tercera sonata , en la Hochschule für Musik. Las circunstancias y los lugares de los hallazgos no suponen un hecho cercano a lo arqueológico.”

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“El material es verdaderamente valiosísimo. Podemos constatar, aun seis años antes de ser premiada en el Concurso Internacional Frédéric Chopin, Argerich era plenamente quien sería luego, más públicamente, desde mediados de la década de 1960. La Balada en Sol menor, de Chopin, el más antiguo de los registros y el único que la pianista hizo hasta ahora de la pieza, muestra ya la prodigiosa sensibilidad rítmica y la articulación idiosincrásica evidente en el modo de acercar paulatinamente los dos motivos de la melodía. En el otro extremo, la Mazurca O p. 41 N° 4 (que, lo mismo que el resto de las mazurcas incluidas aquí -menos las del Op. 59- y el Estudio O p. 10 N° 4, no volvería a grabar) y el primer Nocturno del opus 15 exhiben un virtuosismo que no es meramente técnico; hay allí una comprensión emocional que vulnera la ligereza de salón y accede al núcleo menos visible, especialmente en el nocturno. Es posible que, en ese momento, ningún otro pianista tocara así Chopin.”

“En el otro extremo del tiempo y por ende de la mencionada lectura autobiográfica Salzburg registra una actuación de Argerich a dos pianos con su amigo Nelson Freire en el Festival de Salzburgo de 2009. El salto temporal entre los dos discos – casi medio siglo- no modificó ese núcleo originario que aparece en Argerich plays Chopin , pero el sonido es diferente, menos cortante. El recital empieza con las Variaciones sobre un tema de Haydn , de Brahms, en la transcripción para dos pianos del propio compositor. Despojada de su orquestación, la obra revela sus formidables combinaciones contrapuntísticas y armónicas, sobre todo en la passacaglia del final, que recibe un tratamiento abismado, tan diferente de la aspereza y de la electricidad que caracterizaba la versión de Argerich de 2005, en Lugano, con Polina Leschenko. Es esa misma temperatura, una tibieza algo lejana y crepuscular, la que domina el Rondó en La mayor D. 951 , de Schubert, que los pianistas convierten en una serena digresión. Argerich y Freire habían grabado juntos La Valse hacia 1982. En esa despedida de un mundo definitivamente terminado, Ravel parece interpelarlos ahora de una manera más desencantada. Los intérpretes arman un relato que va de la oscuridad, de la inminencia de catástrofe, a una danza cerrada sobre sí misma como una demencia incurable”.

Todo el concierto de Salzburgo lo conduce una fluidez,  una naturalidad que parece cercana a la espontaneidad, como si ambos artistas estuviese develando las obras en tanto las ejecutan y dialogaran acerca de sus respectivos. No debemos equivocarnos, si bien no está ausente, no es la intuión la que conduce. Es, que duda cabe, una profunda sabiduría aquilatada en el tiempo, la que por un válido pudor y un intenso sentido estético, no avasalla, como si no tuviesen conciencia de ella.

Nota básica y comentarios musicales extraídos de la Nota de Pablo Gianera publicada en el Diario La Nación el 28/o2/10

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Francisco Rivero, maestro de guitarristas

Sábado, Febrero 27th, 2010

FranciscoRivero004“Francisco Rivero fue sin duda, uno de los guitarristas mas completos que ha dado nuestro país en los últimos años.” Carlos Franzetti (arreglador, compositor internacional).

Maestro de maestros se inició como músico profesional a los 18 años, desempeñándose como docente y guitarrista de sesión, actuando tanto en el ámbito de la música nacional como internacional. Participó en innumerables Jam Sessions junto a los más reconocidos músicos de Rock, Blues y Jazz Argentino.

Participó en innumerables Jam Sessions junto a los más reconocidos músicos de Rock, Blues y Jazz Argentino.

Desarrolló paralelamente una exitosa carrera como solista y una intensa actividad pedagógica. Ha editado ocho libros, clásicos fundamentales de la enseñanza de guitarra: Evolución, Jazz solos, Real Tango Book, Album de Tango para Guitarra, Armonía para guitarra, Tratado Completo de Improvisación,  Álbum Beatle para guitarra, Libro de técnica guitarrística.

Sobre su pensamiento y sentimimiento musical así se expresaba: “Creo en el tango como identidad, pero como músico pretendo tener una actitud global. Eso ya estaba en el rock. Cuando uno oye artistas como Peter Gabriel, quien en sus discos incorpora ritmos africanos, o las armonías de Génesis, que tenían cosas clásicas, del jazz, o a Phill Collins, que es un músico de jazz, ve que esa actitud global existe en el mundo, y desde hace ya mucho tiempo”.

Un consejo de Rivero para aquellos que pensando dedicarse a la música: se preguntan: “¿Hay que dedicarse a la música, conviene como profesión? Y yo les digo que detrás de esta pregunta tiene que haber una gran vocación o pasión por el servicio y por el estudio incondicional, más allá del resultado que pueda generar. No hay que medir la vocación por la cantidad de aplausos. Hay mucha gente que toca mejor que algunos famosos y que, por cuestiones del destino, no obtiene el reconocimiento justo. Por lo tanto, llevar la música con vocación y con pasión como estilo de vida, es una de las mejores cosas que te pueden pasar. Llevarla como un deporte o con una actitud superficial, yo no lo recomiendo, porque es una carrera con altibajos, y para aquel que es exitista, los altibajos van a ser frustrantes y finalmente le van a quitar lo más importante que tiene como ser humano, que es la posibilidad de estar vivo y aprender.

Lo recordamos como sólo se lo puede hacer con un gran músico, viéndolo y escuchándolo.

Los mágicos sonidos de Cyro Baptista

Sábado, Febrero 27th, 2010

Cyro+Baptista+cyrobaptistaGraphicCyro Baptista desafía definiciones musicales -tocando instrumentos de todo el mundo como un nativo, este percusionista súper-energético y su ensamble de percusión de 10 miembros, “Beat the Donkey”, interpretan su propio arte escénico de “carnaval brasileño”.

Baptista comenzó a tocar percusiones a los seis años -sobre un coco. Hace unos veinte años compró su primer instrumento de LP, un bongó -y aún lo tiene.

Su arte tiene una gran influencia de los sonidos de bossa nova de João Gilberto. También ha lanzado un álbum solista, “Vira Loucos”, una interpretación personal de la música de otro brasileño, -el compositor clásico Heitor Villa-Lobos.

Cyro ha ganado solo y con su banda, un gran número de premios, incluyendo el de Percusionista Estrella Emergente de DownBeat (2003); el premio a Los Mejores 10 Instrumentistas de Jambase.com; Mejor Percusionista de Jazz/2002 y Mejor Percusionista de Música del Orbe/2003 de la revista Drum. Él y Beat the Monkey han ganado el premio a los 10 Mejores CDs alternativos del New York Times; el premio al mejor CD Global de 2002 de la revista Wire; y su Programa Especial en el canal PBS-WGBH en Boston fue galardonado con el Premio Emmy.

Vale la pena verlo y escucharlo! Abajo haciendo Solos: the jazz sessions

Su último disco “Infinito”

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Carla Pugliese: un estilo propio dentro del tango

Sábado, Febrero 27th, 2010

ANació  con el apellido Pugliese. Hija de Beba y nieta del maestro Osvaldo Pugliese, desde un lugar propio, honra el camino que cultivó dentro del tango el propio don Osvaldo.

Inicia su formación musical a los seis años con su madre y se gradúa profesionalmente en la Escuela de Música de Berkeley.

Ya a los 23 años, Carla tenía su propio grupo de tango contemporáneo, con el que interpreta sus obras con sonoridades eléctricas.

Carla se crió con una educación y una vocación por el estudio, pero no sintió ese influjo directo de su abuelo por algunos problemas familiares. Eso sí: se puede decir que heredó el carácter determinado y firme de Osvaldo: “Siempre hice la mía.  En el ambiente del tango hubo gente que me recibió bien y otros a los que no les gusta lo que hago porque dicen que no hago tangos para bailar”, cuenta Carla, que lleva tres discos editados, “Ojos verdes cerrados” , “La vida y la tempestad” y “Eléctrica y Porteña”.

Experimentó, con la música clásica y contemporánea; después pasó por el jazz y hasta estuvo en una banda de rock sinfónico, “pero un día, – dice – hice una melodía en el piano y de golpe me di cuenta de que había compuesto un tango. No lo podía creer, pero ahí noté que eso era lo que quería hacer”.

La escuchamos?

Sus discos:

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Carlos Lastra y su próximo disco “Ciudad de los invisibles”

Viernes, Febrero 26th, 2010

Carlos-Lastra

Carlos Lastra es uno de los saxofonistas más originales y eclécticos del jazz local, portador de una sólida formación musical.

Finalizó sus estudios en el Berklee College of Music en el año 1985. Desde su regreso formó parte de innumerables formaciones y proyectos culturales. Ha tocado con músicos como Dave Kikosky, Jorge López Ruiz, el Negro González, Jim Kelly, Jim Odgren, Hernán Merlo, Erling Kroner, Quintino Cinalli, Mono Fontana, Ernesto Jodos, Hugo Fatoruso, Pedro Aznar, Lito Epumer, Osvaldo Fatoruso, Pepi Taveira, Enrique Norris y Daniel Lastra, entre otros.

Es docente en la carrera de Jazz del Conservatorio Municipal Manuel de Falla.

Dirigió la carrera de Música Popular de la Escuela Superior de Arte en San Carlos de Bariloche y actualmente coordina la escuela Uan Chu Jazz Ensambles.

Como líder grabó “ Siete Matices de Gris” en el año 2004.

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El saxofonista con su trío, presenta material de su próximo disco `Ciudad de los invisibles`.

CARLOS LASTRA TRIO

Carlos Lastra saxo y composición
Cristian Bortoli contrabajo
Sebastian Groshauss batería

La cita es:  el 26/02/10 a las 22.30 hs.
El lugar: Virasoro Bar – Guatemala 4328 . C.A.B.A.

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“Mi ideal al componer una obra es que no se parezca a ninguna otra” Gerardo Gandini

Viernes, Febrero 26th, 2010

AEs sin dudas, una de las figuras más relevantes de la música contemporánea argentina de la segunda mitad del siglo XX. Compositor de rara personalidad y gran creatividad , director de orquesta y eximio pianista.

Personaje atípico para la música de tradición académica: tocó jazz, fue pianista del último sexteto de Astor Piazzolla, ganó un Grammy por su primer volumen de improvisaciones sobre tangos grabado en vivo en Rosario.

Entre su riquísima producción podemos recordar las siguientes obras:

Óperas:

La pasión de Buster Keaton (1978), con libreto de Rafael Alberti, Espejismos II (La muerte y la doncella) (1987), La casa sin sosiego (1992) con libreto de Griselda Gambaro, La ciudad ausente (1995), con libreto de Ricardo Piglia,  Liederkreis (una ópera sobre Schumann) (2000), con libreto de Alejandro Tantanian.

Para orquesta:

Variaciones para orquesta (1962), Cadencias (1967), Laberynthus Johannes (1973),  Soria moria (1974),  … E sará (1976), Eusebius (1984-85), Música ficción III (1990), Mozartvariationen (1991), Estudios para descripción de la luna (1993).

Parte de su multifacética producción discográfica.

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Ha ocupado cargos relevantes a nivel nacional e internacional, destacándose como Profesor de Música en el Instituto Di Tella, en la Universidad Católica Argentina, en la Universidad Nacional de La Plata y en la Juilliard School of Music (USA). Ha sido Director Musical del Teatro Colón, Director de la Sinfonietta de la Fundación Omega, Director del Taller de Música Contemporánea del Instituto Goethe y de la Fundación San Telmo.

Obtuvo varios premios y reconocimientos:

 Primer premio del Congreso para la Libertad de la Cultura (Roma, 1962),  Beca del Gobierno Italiano (1966), Beca Guggenheim (1982), Premio Molière en categoría música para teatro (1977),  Premio Municipal de Composición (Buenos Aires, 1960), León de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia (1998), por la banda sonora de la película La nube de Fernando Solanas. Premio Nacional de Música de Argentina (1996), por la ópera La ciudad ausente, Fondo Nacional de las Artes (Argentina) le otorgó el Premio a la Trayectoria en 1996.

VIII Premio Iberoamericano Tomás Luis de Victoria, (13 de marzo de 2008), considerado como el equivalente al Cervantes de la música clásica. Esta distinción, se propone premiar la trayectoria creativa de aquellos compositores vivos “por su contribución al enriquecimiento de la vida musical de la comunidad iberoamericana a lo largo de su trayectoria profesional y a través de su labor”.

Para conocerlo mejor:  el excelente libro que escribió sobre el artista,  la escritora Marta Lambertini: “Gerardo Gandini. Música-Ficción”

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Para cerrar este post, disfrutemos de su interpretación de “La Cumparsita”

Nora Sarmoria: una artista completa e inclasificable

Jueves, Febrero 25th, 2010

Es, sin duda, una de las artistas mas interesantes de la música de tradición popular, talentosa pianista y sorprendente compositora.

ANacida en Buenos Aires, Argentina, ha recibido una completa formación músical en piano clásico, jazz y composición y desarrollado una intensa actividad docente, y ha dado numerosas clínicas “workshops” de ritmos sudamericanos en Buenos Aires y el interior del país.
 
Con el proyecto “Nora Sarmoria & grupo” se ha presentado en: Buenos Aires e interior de Argentina.
Ganó la “Bienal de Arte Jóven ‘92″ y el Festival Folklórico de “Cosquín 92″.
Participó en los festivales de “Mardel jazz” en sus ediciones ‘94, ‘95 y ‘96 en Buenos Aires; “Festival Latinoamericano de Piano” en Paraná- Argentina; “Festival de Música ‘92″ en la Universidad de San Pablo – Brasil; “Le Paradoxe” Bruselas – Bélgica; “Montmartre Café” Copenhague – Dinamarca. En dúo con el percusionista Facundo Guevara en nov. 1995: “Casa de las Américas”, “Upec” (Unión de Periodistas de Cuba) y “Casa de la Cultura de Plaza” en La Habana – Cuba.

Como sesionista (piano, acordeón, voz, berimbao, percusión), participa en giras y grabando en distintos proyectos: Raíces (candombe de Uruguay); Quique Sinesi Cuarteto (guitarrista de Dino Saluzzi); Rubén Carrasco Special Proyect (fusión étnica argentina); Liliana Herrero (cantante); Lilián Saba (pianista-compositora); Valdo Delgado (charanguista); Lorena Astudillo (cantante); Mariana Ingold (pianista-compositora); Leo Masliah (pianista-compositor).

Como compositora y productora: Con el proyecto “Nora Sarmoria & grupo” ha tocado sus músicas en: Buenos Aires e interior de Argentina. Participó en los festivales de “Mardel lazz” en sus ediciones ‘94, ‘95 y ‘96 en Buenos Aires; “Festival Latinoamericano de Piano” en Paraná- Argentina; “Festival de Música ‘92″ en la Universidad de San Pablo – Brasil;”Le Paradoxe” Bruselas – Bélgica; “Montmartre Café” Copenhague – Dinamarca. En dúo con el percusionista Facundo Guevara en nov. 1995: “Casa de las Américas”, “Upec” (Unión de Periodistas de Cuba) y “Casa de la Cultura de Plaza” en La Habana – Cuba.

Ofreció conciertos en solo set (piano, voz, acordeón, berimbao, calimba) en Cuba, Dinamarca, Uruguay, Perú, Japón, Alemania, Estonia, Letonia, Francia.

Parte de su discografía: 

bichosymalezasAlibrede-sarmoria

Tango en el Mundo en marzo/2010

Jueves, Febrero 25th, 2010

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Chopin, en un concierto de 171 horas

Miércoles, Febrero 24th, 2010

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Más de 250 músicos y cantantes interpretarán hasta el 1° de marzo en Varsovia la música de Frédéric Chopin en un megaconcierto que comenzó anteayer y que durará -en total- 171 horas. Ese es el tiempo que separa las dos posibles fechas de nacimiento del compositor polaco-francés, del que se conmemoran 200 años. Así, músicos profesionales y aficionados se turnan durante el día y la noche en una sala del centro de Varsovia, según indicó Pawel Besser, miembro de la asociación Centrum Smolna, que organizó el concierto. “Como no sabemos cuál de las dos fechas es verdadera, tuvimos la idea loca de unirlas mediante un larguísimo concierto”, señaló.

La incertidumbre sobre la fecha de nacimiento del compositor persiste. El acta de bautismo de Chopin indica el 22 de febrero de 1810, pero el compositor mismo y su familia siempre mencionaron el 1° de marzo como su cumpleaños. “Un genio tiene el derecho a nacer durante toda una semana”, bromeó Waldemar Dabrowski, del Comité de organización del Año de Chopin, en Polonia. Durante toda esta semana también están programados otros importantes conciertos en homenaje al compositor, como el de la Filarmónica de Varsovia, que actuará con la batuta de Daniel Barenboim.

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